Краткая история флорентийской мозаики

Иллюстрация: pronedra.ru

Знание геологии и минералогии помогает не только искать полезные ископаемые, но и создавать настоящие произведения искусства. Природные камни поражают своей цветовой гаммой, разнообразием и красотой. Мастера флорентийской мозаики используют это в своем творчестве, искусно переплетая оттенки цветов и уникальные узоры минералов.

Флорентийская мозаика – техника камнерезного искусства, при которой мастер состыковывает пластины из цветных природных камней в единый рисунок так, что граница между ними становится практически незаметной. Технику еще называют “Commesso” —  состыкованный. Идеально ровная поверхность картины получается за счет тщательной шлифовки.

Это очень кропотливый и трудоемкий процесс. Камень необходимо подобрать по форме, цвету и текстуре. Переходы тонов, прожилки, пятна, штрихи – основные изобразительные средства этой техники. Чаще всего мозаику изготавливают из цветных полудрагоценных камней – яшмы, лабрадорита, малахита, мрамора. Мозаичные полотна практически не подвержены воздействию времени и внешних факторов, поэтому их называют вечными картинами.

Условно вся работа сводится к поочередному исполнению следующих этапов:

• заготовочные работы – подбор качественных материалов, подготовка эскиза и его перенос на камень с последующей его нарезкой;
• ручная сборка мозаики – окончательная обработка изделия и полировка результата.

Всегда надо иметь в виду, что в зависимости от того, какой камень выбрал мастер, будет зависеть направление и качество реза. Оптические характеристики каждого камня индивидуальны, они могут по-разному переливаться и иметь особую структуру. Предварительно камень смачивается водой – так можно увидеть, как он будет выглядеть после полировки.

После выбора камней производится их разметка и нарезка. Раньше мастера пользовались алмазной пилой, теперь используется лазерная резка, что значительно увеличивает продуктивность и экономит время.

Завершающий этап процесса создания флорентийской мозаики сопровождается обводкой отдельных элементов по контуру. Осуществляется на шлифовальном станке и с использованием карборундового круга либо алмазной планшайбы.

Существует два метода сборки: обратный и прямой. При обратном методе мастер укладывает мозаику лицевой стороной вниз в соответствии с трафаретным рисунком и закрепляет его с изнаночной стороны клеем. Это наиболее популярный метод. При прямом методе укладка производится уже на постоянную основу. В наши дни этот способ является редкостью.

Возникновение и расцвет

Флорентийская мозаика возникла и начала развиваться в 16 веке в Италии под покровительством семьи Медичи, став уникальным феноменом ренессансной придворной культуры. В период позднего Возрождения в Италии сложились представления о «государстве эстетического сияния», основанные на античных идеалах. В 1588 г. великий герцог Тосканский Фердинандо I Медичи (1549–1609) учредил камнерезную мастерскую Galleria dei Lavori, располагавшуюся во Флоренции, в палаццо Уффици.

Главными нововведениями, привнесенными эпохой Ренессанса в образный ряд каменной мозаики, стали фигуративные изображения и применение минералов (главным образом яшмы, агата и лазурита), твердость которых существенно превышала твердость мрамора. Основными наиболее известными экземплярами, дошедшими до наших дней, являются стол Фарнезе, находящийся в музее Метрополитэн и серия родовых гербов бывших в то время модными и дорогими подарками на свадьбы и другие знаменательные события (Марьяжный герб по случаю свадьбы Фердинандо 1 Медичи и Кристины Лотарингской в 1589 году)

В конце XVI в. по инициативе и при непосредственном покровительстве императора Священной Римской империи Рудольфа II в Праге также создается придворная камнерезная мастерская. В пражских мозаиках наряду с мрамором стали использоваться различные виды яшм и агатов из здешних месторождений. В отличие от флорентийской мастерской, здесь стали обращаться к пейзажным изображениям. Мозаичные гербы были очень популярны и востребованы в качестве дипломатического подарка. Начиная с XVII в. отдельные мозаичные панно с сюжетными фигуративными изображениями стали использоваться в декоре помпезных предметов мебели, которые предназначались для дворцовых интерьеров высшей знати.  Один из наиболее ранних таких образцов — кабинет Барберини из музея Метрополитэн, созданный между 1606 и 1623 гг.

Со 2-й половины 17-начала 18 века экспорт мозаики переживает небывалый расцвет, поступают заказы от королевских домов Европы. С 1748 года мастерскую возглавляет выходец из Франции Луи Серие, пригласивший для совместной работы известного художника и портретиста Джузеппе Дзокки. С именами этих мастеров связаны произведения, украсившие “восьмое чудо света” – Янтарную комнату Екатерининского дворца в Царском селе под Санкт -Петербургом. Ими были созданы флорентийские мозаики с аллегорическими изображениями пяти человеческих чувств: “Зрение”,” Слух,” “Вкус”, “Осязание и Обоняние”. Эти картины стали подарком Елизавете Петровне от императрицы Марии -Терезии. К сожалению, сейчас мы можем полюбоваться лишь искусно изготовленными копиями, так как четыре из пяти были утеряны во время Великой Отечественной Войны. Только “Осязание и Обоняние” было чудом обнаружено в 1997 году на черном рынке антиквариата в Бремене.

В России

В России зарождение и расцвет искусства флорентийской мозаики теснейшим образом связан с деятельностью Императорской Петергофской гранильной фабрики.  “Шлифовальная мельница”, как ее тогда называли, была основана по указу Петра Великого в 1721 году. Расцвет промысла происходит в середине 18 века. Дошедшие до нас две работы, хранящиеся в Эрмитаже – “Прибрежный пейзаж” и икона “Вседержитель” —  датируются 1763 годом и подписаны И. Боттом – директором фабрики на тот период. Они напоминают скорее аппликацию или коллаж, выглядят ученическими в сравнении с произведениями ведущих европейских мозаичных центров. Но высокое качество подгонки свидетельствует об успехах мастеров в освоении технологии обработки твердого камня. Приглашенный еще при Елизавете мастер Яков Мартини руководил всеми мозаичными работами.

До 1-й половины 19 века наладить изготовление высокохудожественных произведений флорентийской мозаики на Петергофской фабрике не получалось. Причина заключалась не столько в дефиците камня, сколько в недостаточном владении камнерезами современными техническими приемами. В 1847 году для изучения техники мозаики во Флоренцию, в частную мастерскую Гаэтано Бианкини отправили младшего мастерового 1 разряда Ивана Соколова. Он изучал процесс сборки мозаики, устройства станков, инструменты, создавал эскизы. Соколов оказался очень талантливым учеником. В 1848-1850 годах он выполнил столешницу их яшмы, лазурита, оникса и мрамора, не уступавшую лучшим флорентийским образцам.

Во второй половине XIX века снова обретают популярность шкафы-кабинеты с мозаичными вставками. В 1882-1883 на Петергофской фабрике изготавливается по заказу императора Александра 3 и его супруги Марии Федоровны серия таких шкафов с мозаиками по рисункам А.Дассона. Самым сложным из них является Тропический лес на белом фоне. На его примере можно рассмотреть в мельчайших деталях механизм работы над произведением.

Советский Союз

В СССР флорентийская мозаика использовалась в основном для создания монументальных панно в общественных интерьерах – вокзалах, аэропортах, театрах. В таких случаях художник брал масштабом, что исключало использование драгоценных и полудрагоценных камней. Так монументальность уничтожила ювелирную. утонченность.  Однако были исключения. Ярчайший пример тому – грандиозное мозаичное панно, представляющее собой карту Советского союза. Ее площадь составила 25 кв. метров, было использовано более 45000 полированных пластин, 667 мастеров работали над ней около года. Материал шел с Урала, Сибири, Алтая. Моря были выполнены из лазурита, горные массивы из орской яшмы, границы Советского Союза обрамлял родонит. На фоне из поделочных цветных камней почти 4 тыс. ограненных самоцветов показывают, как размещены в Советском Союзе хозяйственные и промышленные центры. Сотни кристаллов дымчатого кварца отмечают предприятия нефтяной промышленности, альмандины треугольной огранки изображают сеть электростанций. Круглые рубины фиксируют металлургические заводы, овальные — предприятия цветной металлургии, треугольные — машиностроительные заводы. Гранатами ромбической формы обозначены химические предприятия. Голубые топазы показывают бумажные фабрики, изумруды — деревообрабатывающие, аметисты — текстильные предприятия. Золотистым кварцем обозначены колхозы и совхозы. Названия столиц союзных республик набраны высококачественны ми изумрудами, Москва — синтетическими рубина ми, Ленинград — александритами. Карта была представлена на Парижской выставке в 1937 году и удостоена Гран-при.

Флорентийская мозаика с 1940-х годов становится популярным украшением залов метрополитена. Одна из самых ранних и необычных картин украшает станцию Автозаводская. Набранное из мраморных пластин разных сортов панно было выполнено по эскизам Б. Покровского. В данном произведении изображен танковый парад на Красной площади – на расположенном над станцией заводе выпускали танки. Панно образовано из двух совмещенных гризайльных картин. На переднем плане в бежевых и коричневых оттенках изображен тяжелый танк КВ-1, по бокам – по два танка Т-34. На заднем плане сизо-черной громадой возвышается Кремль, по центру которого виднеется фигура былинного богатыря. Художник пожелал изобразить аллегорию родины, находящейся под надежной защитой, олицетворенной одновременно современной техникой и сказочной силой героя русского эпоса.

Близкое по композиционному решению панно “Фронт и тыл в борьбе против немецких захватчиков” расположено в южном торце станции метро Новокузнецкая. Также выполненное в технике гризайли, оно раскрывает равнозначность героических усилий тружеников тыла и советских воинов в защите родины.

Одна из самых насыщенных декором в технике флорентийской мозаики – станция метро Белорусская кольцевой линии. По оси свода расположены 12 панно по эскизам Г.И Опрышко.  На них мы видим различные сцены жизни белорусского народа. Интересно, что первоначально на панно “Вышивальщицы” изображенные женщины вышивали портрет Сталина. Однако 10 лет спустя он был заменен на Орден Трудового Красного Знамени.

К концу 70-х годов в сюжетах наиболее важное место начинает занимать природа, сюжеты из литературных произведений, животные. Нельзя не упомянуть замечательную мозаичную картину “Поэма о Приамурье”, выполненную заслуженным художником Г. Д. Павлишиным, талантливым иллюстратором и анималистом. Находится она в Хабаровске, в Доме Приемов. Глядя на нее, зритель действительно ощущает себя на опушке настоящего дремучего леса, сказочной тайги, где стволы вековых сосен, выполненные из родонита, кажутся освещенными северным солнцем, а листья папоротников и иглы хвои, изготовленные из офиокальцита разных оттенков, будто дают почувствовать аромат хвои. По краям “двери в тайгу” разместились небольшие изображения ее обитателей.

В поздний советский период размеры мозаичных панно в значимых для имиджа страны или региона становятся просто гигантскими. Одна их самых больших (220 кв м) – мозаика “Культура, искусство, театр”. В фойе Большого зала Концертного комплекса в Москве в Олимпийской деревне. За это произведение художник-монументалист В.К.Замков был удостоен государственной премии. Работа над панно заняла почти 4 года. На нем показаны Парфенон, церковь Покрова на Нерли, греческая колесница, деталь древнерусского орнамента, сцены из трагедий, японка с розой в руке и даже рабочий в комбинезоне. Изображения как будто не связаны между собой, но тем не менее художник, пользуясь таким приемом, кратко рассказывает зрителю историю мировой культуры.

С 1990-х и до наших дней

В постсоветской России искусство флорентийской мозаики существенно трансформировалось, развиваясь преимущественно в станковых и малых формах. Централизованный государственный заказ стал почти аномалией, его заменили более скромные проекты для отдельных частных коллекционеров, любителей и ценителей красоты камня. В декоре строящихся станций метро монументальные панно стали редкостью. Однако в зале открытой в 2010 году станции Достоевская все-таки появились монохромные сцены из романов писателя. Мрачная гамма первоначально вызвала неоднозначную реакцию общественности. Композиции были восприняты слишком тяжелыми и гнетущими. Автор, художник РФ И. В. Николаев возражал оппонентам:

“Если браться за тему Достоевского, то нужно соответствовать глубине и трагичности его творчества.”

Время доказало его правоту.

В популяризации и дальнейшем развитии флорентийской мозаики исключительно велика роль музеев. Особое значение имеет единственный в нашей стране частный музей флорентийской мозаики Бориса и Людмилы Ошкуковых в Санкт -Петербурге, открытый в 2003 году. Представленная в музее-квартире коллекция флорентийской мозаики состоит из великолепно подобранных работ более чем 30 современных российских художников-камнерезов и творческих мастерских. Часть коллекции составлена из мозаичных работ, исполненных по рисункам самого Б. Л. Ошкукова, которые объединяются общей темой “Абстрактные миры”. Выполнены данные мозаики были в нашей мастерской «Мир камня», где художники сумели перенести созданный автором загадочный мир на каменные полотна. Есть в собрании этого музея и талантливые копии картин известных художников прошлого – Куинджи, Семирадского, Васнецова, Поленова.

Совершенно новая грань в искусстве флорентийской мозаики постсоветского времени – мозаичные иконы. Особое место в этой группе произведений занимают работы художников А. Загорского и И. Клиновой. Две из них, выполненные в 1996 году, хранятся в Оружейной палате. Это лики Спасителя и Архангела Михаила. Интересно взглянуть на нимб Христа, набранный из беломорита по типу римской мозаики – это воспринимается, как своеобразная отсылка к монументальному византийскому искусству. Мастерская «Мир камня» также не раз выполняла заказы на мозаичные иконы. Здесь представлены иконы “Спас нерукотворный” и Покров Пресвятой Богородицы, находящиеся в Андреевском монастыре в Москве. В 2007 году они были освящены Патриархом Алексием 2 в главном храме монастыря.

Среди мозаичных картин постсоветского периода нередко встречаются изображения, которые устойчиво ассоциируются с неким “культурным кодом” эпохи или определенного поколения. В портрете Эрнеста Хемингуэя, выполненном в мастерской Мир камня, черный нефрит и белый магнезит прекрасно передают эстетику черно-белой фотографии знаменитого фотографа Юсуфа Карша. Этот снимок широко известен во всем мире. Так камень, положенный рукой талантливого мозаичиста, может передать такие мельчайшие детали, как волоски, морщины и даже вязка свитера.

Современные технологии обработки камня сделали возможным использовать наборные мозаики в качестве циферблатов в наручных часах. Внушительную коллекцию таких моделей создала мастерская А. Белякова для швейцарской компании «Намфлег». Мозаичные вставки в ювелирных украшениях не должны быть перегружены деталями и нуждаются в лаконичном обрамлении. Работа ювелира в данном случае напоминает подбор и изготовление подходящей рамы для живописного произведения. Так даже миниатюрные произведения могут дополнять и украшать функциональную вещь.

Таким образом, мощный старт в развитии искусства флорентийской мозаики постсоветского времени был обусловлен наличием определенного числа художников, профессионально сложившихся еще в СССР. Государство перестало выступать в качестве заказчика монументальной декорации, что повлекло переориентацию камнерезных мастерских на частного клиента и обусловило востребованность станковых форм. Музейные собрания, прежде всего замечательная коллекция Ошкуковых, наглядно свидетельствуют, что отечественное искусство флорентийской мозаики прочно утвердилось в новых формах, достигло высот мастерства мирового уровня и продолжает двигаться вперед.

Автор материала: Андрей Юрьевич Беляков. Кандидат геолого-минералогических наук. Руководитель Творческой мастерской флорентийской мозаики.